buttons
Абонемент № 1 «Бессмертные имена» 2020 — 2021 гг.

Симфонический оркестр

главный дирижёр — заслуженный деятель искусств РФ Рашит Нигаматуллин

дирижёр — лауреат международного конкурса Дмитрий Филатов

Солисты: Клим Тихонов (тенор), лауреаты международных конкурсов Владимир Целебровский (баритон), Арсений Тарасевич (фортепиано), Леонид Железный (скрипка), Роман Филипов (скрипка), Галина Зольникова (сопрано), Оксана Никитина (меццо-сопрано), заслуженный артист РФ Никита Борисоглебский (скрипка). 

 

29 октября (четверг)

Девятая симфония Бетховена – последняя в симфоническом творчестве композитора, стала не только грандиозным итогом его исканий, но важнейшим явлением в европейской и мировой культуре. Симфония считается выдающимся шедевром Бетховена, который создал его, будучи совершенно глухим. Это одно из самых масштабных произведений в истории музыки: её партитура содержит порядка 200 страниц, формы симфонического цикла здесь разрастаются до невероятных размеров, звучание симфонии занимает от 65 до 75 минут у разных исполнителей, в финале – впервые в истории музыки – используется хор и 4 солиста. Симфонию называли «музыкальным манифестом эпохи», «Марсельезой человечества», потому что она провозгласила общечеловеческие идеалы свободы и братства. Неслучайно главная тема финала симфонии – «тема радости» на данный момент является гимном Евросоюза. Это – музыкальная визитная карточка Европы, напоминающая об идеалах европейского сообщества: свободе, мире, солидарности и единении. В событие полное глубокого значения превращается каждое исполнение Девятой. Люди приходят в зал, чтобы участвовать в чем-то важном, великом, потому что 9 симфония с «Одой радости» в финале – это послание всему человечеству.  С.И. Танеев заметил однажды, «если бы на земле появились жители других планет, которым следовало за один лишь час дать представление о человечестве, то лучше всего было бы исполнить для них Девятую симфонию Бетховена, которая красноречивее речей и докладов напоминает о высших идеалах и о пути к их осуществлению».

 22 января (пятница)

Единственный у Бетховена Концерт для скрипки принадлежит к числу самых сложных произведений скрипичного репертуара. Сложность в том, что при внешней простоте, в концерте используется чисто пианистическая техника, гаммы, арпеджио, которые удобны на рояле, но сложны для исполнения на скрипке. Это едва ли не самый длинный концерт из скрипичных. Премьера, состоявшаяся в 1806 году, не была успешной, и концерт был забыт на несколько десятилетий. Только в 1844 году, уже после смерти автора, 12-летнему скрипачу Йозефу Иоахиму в сопровождении оркестра под управлением Феликса Мендельсона удалось с успехом исполнить это произведение. Образы радости, неомраченных раздумий, бурлящего веселья определяют облик этого сочинения. Этот концерт популярен уже более 100 лет. И это 100 лет подлинного триумфа. Попросите любого скрипача назвать пятерку лучших мировых концертов? В их числе обязательно будет бетховенский! В исполнении  Никиты Борисоглебского — одного из лучших скрипачей молодого поколения исполнителей концерт Бетховена оставит неизгладимое впечатление.

Над своей Первой симфонией Брамс работал небывало долго – дольше, чем над последующими тремя вместе взятыми, – около 15 лет. Он, преклонявшийся перед Бетховеном, страшился сравнения со своим кумиром, постоянно слыша за собой «шаги гиганта». Многое роднит ее с героическими по складу симфониями Бетховена: от мрачной тональности до минор, который в финале преображается в ликующий до мажор, до главной темы финала, которая звучит как вариант бетховенской «темы радости». Не случайно знаменитый дирижер Ганс фон Бюлов называл Первую симфонию Брамса «Десятой Бетховена». Вслушайтесь в начало симфонии – то ли скорбное шествие, то ли введение в бездну, в пропасть. Ни один композитор до Брамса не начинал свой симфонический путь подобным образом. С другой стороны, в симфонии немало романтических черт, делающих ее наследницей симфоний Шуберта, Шумана, Мендельсона. Первая симфония Брамса рисует правдивую и сложную картину жизни человеческого духа — бурного, стойкого и мужественного, порой усталого и строгого, а порой нежного и душевно отзывчивого. А грандиозный финал симфонии убедит вас в мысли, что Брамс – колосс, достойный античной поэмы!

5 февраля (пятница)

Симфоническая поэма «Так говорил Заратустра» была написана Рихардом Штраусом в 1896 году. Произведение имеет подзаголовок: «Свободное сочинение по Ницше». Композитору пришлось сразу же объяснять, зачем он решил переложить на музыку трактат Ницше «Так говорил Заратустра»: «У меня и в мыслях не было писать философскую музыку или изображать средствами музыки великое произведение Ницше, — оправдывался он. — Я хотел только с помощью музыки проследить развитие человеческого рода от его начала до появления ницшеанского Сверхчеловека». В музыке симфонической поэмы, сочиненной на пороге XX века, в полной мере отразились предчувствия грозных и величественных событий, которыми отмечено это столетие. Так что не удивительно, что Стэнли Кубрик для своего фильма «2001 г. Космическая одиссея», посвященного судьбам человечества, использовал названное сочинение Рихарда Штрауса. А начальная тема этого произведения уж точно известна многим – ведь это позывные телевизионной передачи «Что? Где? Когда?».

27 концертов для фортепиано с оркестром Моцарта произвели переворот в жанре, бывшем до тех пор исключительно «салонным». Роль фортепиано – наследника старого клавесина – принципиально изменилась: фортепиано благодаря Моцарту и после него превратилось в солирующий инструмент. 23-й концерт – один из самых популярных. И, прежде всего, своей 2-й частью – очень известным адажио. Эта исповедь – одно из величайших откровений человеческого духа. Здесь все проникнуто чувством трагической неизбежности, потрясением перед таинством смерти. Контрастом этому служат 1 часть, излучающая силу, и финал – карнавал, маскарад, по богатству мелькающих образов не имеющий аналогов в жанре фортепианного концерта. Концерт Моцарта прозвучит в исполнении лауреата международных конкурсов Арсения Тарасевича, молодого, но уже хорошо известного пианиста, внука выдающейся советской пианистки Татьяны Петровны Николаевой.

10 марта (пятница)

Программа этого концерта будет программой шедевров! Каждое произведение – лучшие опусы Бетховена и Моцарта. Седьмая симфония — одно из наиболее оптимистичных сочинений Бетховена, в силу чего многие слушатели предпочитают её всем другим. «Среди лучших моих сочинений я с гордостью могу указать на ля мажорную симфонию», – писал Бетховен. Многое в ней изумило современников. Поражали и громадное вступление, и резкие контрасты радости и скорби, и необычная последовательность частей. Среди «ценителей искусства» нашлись и такие, кто отнес эти новшества на счет «сумасбродной фантазии» глухого композитора. Но потребовалось совсем немного времени, чтобы о симфонии сложилось мнение как об одном из самых гармоничных и совершенных творений композитора. Рихард Вагнер называл её «апофеозом танца», имея в виду, что каждая часть симфонии пропитана танцевальными и маршевыми ритмами. Здесь и грандиозный массовый пляс первой части, и скорбная, но собранная, сдержанная, как мужественная печаль, энергетика второй, и буйное веселье в третьей части. А в финале, по словам Б. Асафьева, «льется огненный поток звучаний, как лава, испепеляя все, что ему противится и встает на пути…». П. Чайковский писал, что финал Седьмой симфонии представляет «какую-то вакханалию звуков, целый ряд картин, исполненных беззаветного веселья, счастья и довольства жизнью». Невольно возникает мысль, что Седьмая — огромный и необходимый этап на пути к финалу Девятой симфонии. Без апофеоза, созданного в ней, без прославления всенародной радости и мощи, которое слышится в неукротимых ритмах Седьмой, Бетховен, наверное, не смог бы прийти к знаменитому «Обнимитесь, миллионы!».

Опера Моцарта «Дон-Жуан» не сводится ни к одному из известных в XVIII веке оперных типов, поскольку сочетает особенности музыкальной трагедии и комедии. Моцарт назвал «Дон Жуана» «веселой драмой» (drama giocoso), что соответствует трагикомедии. По существу же, Моцарт открыл в «Дон Жуане» совершенно новый оперный жанр – психологическую музыкальную драму, который получил развитие в XIX веке. Опера основана на резких столкновениях смешного, балаганного и трагедийного, житейского и мистического. В этот «странный» мир оперы вас введет увертюра, которая построена на противопоставлении образов жизни и смерти.

Моцартом созданы пять концертов для скрипки с оркестром. Причем все пять были написаны 19-летним композитором в течение одного года (с апреля по декабрь 1775), когда Моцарт выполнял обязанности капельмейстера при дворе архиепископа в Зальцбурге. Концерт № 5 – самый знаменитый концерт, несомненно вершинное достижение Моцарта. В первой части возвышенный лиризм сочетается с грациозным лукавством, исповедальные страницы Adagio исполнены непосредственного и глубокого чувства. В финальном Рондо изысканный менуэт обрамляет внезапно врывающееся неистовое интермеццо в «турецком стиле» (из-за чего концерт иногда называют «Турецким»). Двадцатилетний Моцарт – как не пожалеть об этом! – по собственным словам, «повесил скрипку на гвоздь» и более не обращался к жанру скрипичного концерта. «Музыка Моцарта так чиста и прекрасна, что возникает ощущение, будто он ее просто “находил”, в то время как она существовала вечно, как часть врожденной красоты Вселенной, ждущей, чтобы ее выявили и показали миру», — говорил о композиторе Альфред Эйнштейн.

9 апреля (пятница)

Эта программа будет окрашена ориентальным колоритом (от лат. orientalis — восточный). «Шехеразада» Римского-Корсакова – одно из самых ярких произведений, рисующих мир музыкального Востока. Сюита была создана под впечатлением от арабских сказок «Тысяча и одна ночь». Каждой их 4-х частей было первоначально предпослано название и, может быть, поэтому музыкальное повествование строится как череда сказочных картин и главных героев с их характерными музыкальными темами. Если «Шехеразада» погрузит вас в сказочный, почти фантастический музыкальный колорит, то Концерт для скрипки А. Хачатуряна перенесет в мир армянского фольклора. В концерте не использованы подлинные народные мелодии, но весь он является выражением армянской народной песенности. Б. Асафьев назвал Хачатуряна «Рубенсом нашей музыки». Поистине рубенсовское праздничное изобилие, роскошество звучащего мира, страстное упоение земной красотой присутствует и в музыке концерта, солировать в котором будет молодой виртуоз Леонид Железный.





Поделитесь событием с друзьями:

   © 2011–2016        Яндекс.Метрика        Консоль